Crítica: Em 'Amour', colocando um vencedor da Palma de Ouro no palco

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Uma adaptação do filme de Michael Haneke de 2012 no Festival de Salzburgo evita o realismo cinematográfico, adotando uma abordagem altamente estilizada.

Por AJ Goldmann

O crítico AJ Goldmann compareceu à estreia do espetáculo em Salzburgo, na Áustria.

“Como posso falar de amor quando estou morto?” tem uma linha poderosa em “Amour”, uma adaptação teatral do filme de Michael Haneke de 2012 que estreou no domingo no Festival de Salzburgo, na Áustria.

O amor e a morte são, claro, os dois grandes temas da arte, mas raramente foram reunidos de forma tão assustadora como no filme de Haneke, um retrato de um casal de idosos forçado a confrontar a questão de quando a vida já não vale a pena ser vivida. Contado no estilo caracteristicamente severo de Haneke, o filme rendeu ao diretor austríaco uma Palma de Ouro no Festival de Cinema de Cannes e um Oscar de melhor filme em língua estrangeira.

Karin Henkel, a diretora da adaptação, evita o realismo do filme, optando por uma encenação altamente estilizada e conscientemente artificial que atinge seu impacto visceral através de uma combinação de técnicas de estranhamento brechtianas, performances emocionalmente nuas e monólogos biográficos escritos por figurantes no palco.

A Henkel obteve um triunfo em Salzburgo há dois verões com “Richard the Kid and the King”, um épico arrebatador do sanguinário monarca de Shakespeare que durou quatro horas. “Amour” da realizadora alemã – uma co-produção com o teatro Münchner Kammerspiele, em Munique, onde será apresentado no final de Outubro – é tão comoventemente terno quanto a sua apresentação anterior em Salzburgo foi terrivelmente selvagem.

No início da produção, o palco é dominado por um túnel branco, cujo interior imaculado e anti-séptico é progressivamente manchado: as paredes pintadas com tinta preta aquosa, o chão manchado por tinta preta espessa que escorre sobre os artistas, e montes de terra seca que cai aos montes do teto. Um dos personagens reclina-se em uma cama de hospital com estrutura de metal que começa a se assemelhar a um dispositivo de tortura medieval quando operado por uma enfermeira zelosa.

O túnel, com suas associações clínicas, é eventualmente desmontado, revelando um palco sem adornos repleto de uma variedade de cadeiras, um piano, pedestais de microfone e luzes de palco. A cenografia de Muriel Gerstner é uma negociação constante entre objetos estéreis do cotidiano (fortemente iluminados por Stephan Mariani) e imagens elementares de terra, água e flores.

Tal como o filme, no entanto, esta reimaginação de “Amour” é ancorada pelas suas duas performances centrais. Ao contrário do filme, estrelado por dois grandes nomes do cinema francês, a versão teatral é alimentada por uma dose de elenco contra-intuitivo.

Katharina Bach, de apenas 38 anos, traz uma vitalidade inesperada e um sentimento profundo ao interpretar Anne, uma professora de música idosa que está paralisada por um derrame. (Emmanuelle Riva tinha cerca de 80 anos quando desempenhou o mesmo papel no filme de Haneke.) A atuação de Bach é uma atuação intermitente e atormentada, marcada por intenso controle físico e dramático. Como Georges, o ainda vigoroso marido de Anne, André Jung, 69, traz um espírito amargurado e desafiador que é um afastamento cuidadoso da atuação dolorosa e sutil de Jean-Louis Trintignant no filme.

A adaptação teatral em língua alemã, de Henkel e do dramaturgo Tobias Schuster, segue estreitamente o roteiro francês. Ao mesmo tempo, empregam estratégias para desfamiliarizar a peça. O diálogo é intensificado por repetições frequentes e muitas vezes estranhas. E muitas das direções de palco do roteiro são lidas em voz alta por dois atores, Joyce Sanhá e Christian Löber, cujas atuações flexíveis - como narradores, enfermeiras e outros personagens - contribuem para a energia ansiosa e desequilibrada da produção.

A maior aposta da Henkel é incluir um coro de doze pessoas extras não profissionais. Cada um deles é idoso, enfermo ou de luto e, embora não falem muito no palco, escreveram testemunhos comoventes sobre conviver com problemas de saúde ou perder entes queridos devido a doenças que são recitados como monólogos pelo elenco principal. Nas mãos erradas da direção, esse tipo de intervenção poderia facilmente ter se transformado em sentimentalismo. Aqui, porém, a carga emocional destes testemunhos é equilibrada pelo eufemismo e pela moderação. Da mesma forma, a representação e discussão da produção sobre a eutanásia, embora às vezes chocante, resiste à moralização.